Romulo Bolivar - A Arte da Irreverência

Dar aula é uma Arte! 
Não se sabia de onde vinha um frenesi geral na tarde de sábado nas Redes Sociais que se estendeu pelo Domingo a respeito de um Aulão que ocorreu na manhã sábado  na ULBRA, organizado por uma equipe do RedMat e Meta. Fomos atrás dos fatos,pois como entender uma garotada que nem sempre se liga nos estudos,de repente encontrarem-se em pleno fim de semana discutindo técnicas e falando em produção de textos?

O nome era ROMULO BOLIVAR – um carioca ,integrante da equipe do Proenem do Rio de Janeiro que segundo as coordenadoras do evento aceitou de pleno o convite realizado há três meses chegando a Porto Velho na tarde de sexta-feira, acompanhado de um exímio cineasta conhecido nos grandes centros de nome Ton Gadioli que atua como Diretor, produtor participando da equipe do Proenem também.

Segundo informações, os candidatos a Enem vindos de vários bairros da cidade, de diversas Escolas Públicas e privadas "bebiam" cada palavra do educador de forma atenta, pois o mesmo com uma aula irreverente ,de alto nível, com nuances humorística, trabalhou o direcionamento à prova de Linguagens e à Produção de Texto repassando aos presentes dicas valiosas que os levaram a perceber que podem muito mais do que imaginam e que cada um é responsável pelo próprio conhecimento.

Mas algo nos intrigava: O que chamou tanto a atenção dessa meninada? Contamos com tantos Educadores em nossa cidade capacitados para tal, por que buscar alguém de fora?A resposta veio da coordenação do evento, que após explicar os motivos que as fizeram convidar o Educador, mostrou o quão nossas escolas são defasadas ainda no quesito Enem, pois nem todas preparam para a prova que seus alunos estão prestes a realizar. A vinda de Romulo Bolivar foi uma oportunidade para que alunos que nem sempre têm acesso a esse tipo de aula pudessem participar ,para que eles tivessem acesso a dicas valiosas que os levem à vitória na prova e, o Professor foi o escolhido por trazer uma dinâmica diferenciada em suas aulas,o que chama a atenção da garotada de forma inédita,já que muitos sequer têm aulas de Redação na grade curricular.

Pesquisando mais na internet a respeito das duas celebridades presentes na cidade no fim de semana percebe-se que os mesmos têm um grande número de seguidores e, observando suas videoaulas dá para entender o porquê da vibração dos alunos Portovelhenses. Realmente precisamos de alguém que faça a diferença,que seja o diferencial na vida dos estudantes.Portanto nos congratulamos com as organizadoras do Projeto e parabenizamos,não só o Professor ROMULO BOLIVAR ,como também as organizadoras pela sensibilidade  na escolha,vital para o sucesso do evento realizado,pois "arte" não está centrada apenas na beleza das obras, mas também na arte de ensinar,de se disponiblilizar a aprender,de ajudar a quem necessita de subsídios para vencer os obstáculos no caminho.

Fonte: RedMat & Meta

A Noite Estrelada - Van Gogh

Do Blog: http://estoriasdahistoria12.blogspot.com.br/2013/07/analise-da-obranoite-estrelada-de.html

"Noite Estrelada é uma das obras mais conhecidas de Vincent Van Gogh. O quadro foi pintado quando ele tinha 37 anos e estava internado num asilo em Saint-Rémy-de-Provence (1889-1890). A obra encontra-se actualmente na colecção permanente do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA).

Ao contrário de muitas das suas obras,  Noite Estrelada foi pintada de memória, e não a partir da vista correspondente de uma paisagem. Durante ao tempo em que esteve no asilo, Van Gogh  dedicou-se a pintar as paisagens da região da Provence.

A paisagem retratada mistura o real com imagens da sua memória, como uma igreja tipicamente holandesa. É notável o contraste entre a calma da pequena vila representada e o caos celestial. Os ciprestes são o elo de ligação entre a terra e o céu. A obra é dividida no plano horizontal pela linha do horizonte e no plano vertical pelo cipreste. O povoado longínquo, de pequenas casas, contrasta fortemente com o cipreste em primeiro plano que se destaca e ajuda ao equilíbrio da composição As pinceladas são curvilíneas, e integram-se de maneira rítmica sobre a superfície da pintura. Estrelas brilhantes pulsam como mini-sóis. Ondas luminosas cortam o centro da tela, parecem ter vida própria. No canto superior direito, chama a atenção a lua que ganhou feições de um sol que transforma em quase dia. Enquanto isso, o vilarejo, com a sua igreja de torre alta, parece adormecer alheio ao céu estrelado cheio de explosões emotivas de Van Gogh.

A pintura foi a inspiração para a canção  de Don McLean, "Vincent", que é também conhecida como "Starry Night".

Segundo Felipe Araújo ( http://www.infoescola.com/pintura/a-noite-estrelada/) "O pintor levou três noites para terminar A Noite Estrelada. No quadro, observa-se uma paisagem que faz uma metamorfose de elementos reais com as memórias de Van Gogh, como uma típica igreja da Holanda. Uma das características marcantes da obra é a diferença entre o céu turbulento e cheio de curvas e a tranquilidade do vilarejo. "A noite é muito mais viva e colorida do que o dia", disse o pintor sobre a obra.

O quadro é dividido em face horizontal por uma linha e na vertical pelo cipreste. A comuna francesa apresenta-se ao longe, com casas bem pequenas, contrastando densamente com o cipreste visto em 1º plano. Foi pintado de forma curvilínea e as pinceladas integram-se de maneira ritmada acima da superfície da imagem. Causando uma sensação agitada de espiritualidade e luz, a cidade, o cipreste o e céu fantástico se integram plenamente.

De acordo com Frayze-Pereira, no livro "A criação Trágica: Van Gogh" (editora Vozes): "No confronto entre o céu reconstituído e o céu pintado por Van Gogh, os astrônomos confirmaram a colocação exata das estrelas e a posição da lua na tela, revelando a objetividade da observação de Van Gogh com relação à natureza".

A Noite Estrelada influenciou criadores de outros campos artísticos como a música o cinema. Fundindo o quadro do pintor holandês à cidade de Paris, foi lançado o pôster de divulgação do filme do cineasta Woody Allen, "Meia Noite em Paris". O compositor Don McLean, na canção chamada "Vincent" (referência ao artista holandês), buscou inspiração na pintura de Van Gogh."

Veja mais no vídeo abaixo:

Observe que um contraste é perceptível na construção estática da cidade e do movimento do céu.

Bira Lourenço - Percussão é Arte

"Os meus detalhes são sistematizações de sensações..."

(Bira Lourenço)

Já se definia  em tempos atrás que percussão é " instrumento musical cujo som é obtido através do impacto, raspagem ou agitação, com ou sem o auxílio de baquetas.” Mas o que dizer do som criado através de instrumentos inusitados como a água e/ou a vara de bambu entre outros objetos não reconhecidos como instrumento de percussão?  Bira Lourenço* é o percussionista em questão que faz da arte do objeto que tem em mãos os sons mais instigantes e contagiantes.Ele não apenas produz som, ele é o som...é a palavra... é a música... é a essência de algo maior,transcendental...iluminado por um dom excepcional que só pode ter vindo da luz...do que há de mais belo no universo.É capaz de quebrar interditos ...Sua alma está centrada no instrumento,seu coração no batuque... no ritmo....Podemos dizer que o seu som vai do silêncio à intensidade máxima da elevação espiritual...sons estes, cuja altura não pode ser perfeitamente determinada,pois produzem variações incertas de altura ao longo de sua duração produzindo um acompanhamento que não interfere na harmonia do que há de mais belo na percussão.È capaz de superar a imanência daquilo que nos paralisa.

Como dizia  um grande doutor em Ciência da literatura Sr.Paraguassú que “as questões brotam dos caminhos da abertura do ser, onde reside um querer que se põe à busca da origem daquilo que se mostra - a coisa - e que se dá em experiência ganhando ‘forma’ ao evidenciar-se na sua gênese, conduzindo a vontade, o ‘querer’". Bira Lourenço é isso – busca na multiplicidade infinita do instrumento que tem em mãos o som mais precioso onde é tomado pelo próprio ser e,é por essa abertura do ser que se mostra como questão a ser observado diferentemente dos conceitos fechados,pois agrega em si uma pluralidade de possibilidades que geram outras possibilidades do ser, do ser como verdade que brota ,que instiga,que se instaura e vigora desnudando o que continuamente desnuda.Seu corpo,seu toque no instrumento,seu batuque parece buscar sair  de si,encontrar-se com um ser  -  ou em um ser - que lhe dê a plenitude daquele momento.

Sua sonoridade que a primeira mão estaria em segundo plano por estar acompanhando alguém no palco,ultrapassa o plano em questão e se revela como a peça principal.Chega até nós e nos impulsiona a fazer o salto para o abismo a procura de desvendar o mistério que o envolve,sua transcendência... Bira Lourenço não se deixa aprisionar pelos conceitos da percussão,ele quebra paradigmas e mostra que a arte não está presa a teorias...traz luz à ilusão e ao mistério como força vital presente, eclode mesmo na ausência de sua presença,é SER  sendo, onde não ser é eterna presença...é  REAL....

Seus instrumentos inusitados dialogam entre si e consigo mesmo...seu corpo,sua alma celebram o batuque de forma plena...

Ele vai além do "ser" percussionista em palco.Sua essência transcende a técnica, transcende a linguagem, no fazer de cada instante,no co-fazer e no com-crescer pela doação da própria alma ou do co-espírito para a essência da verdade e, tudo se resume ao que   ele próprio diz: “Toco a mais pura verdade dos sons que em mim habitam ou perpassam...”

Conhecer Bira Lorenço é impossível ,pois para isso precisa se embrenhar nesse mistério que é a sua dimensão transcendente.É quebrar o interdito como dizia Clarice Lispector ,mas conhecer sua alma no toque de cada instrumento é mágico.


 *Bira Lourenço: "licenciado pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), Bira Lourenço é professor de percussão em projetos com alunos de escolas públicas, portadores de necessidade educacionais especiais, formação professores e ressocialização de apenados e egressos do sistema penal. Participa de discos dos  compositores locais, já desenvolveu vários trabalhos associados ao Teatro, em pesquisa sobre a dramaturgia sonora, e dedica-se a pesquisar possibilidades sonoras com a água, instrumentos de barro e objetos."

Flora - Giuseppe Arcimboldo

Flora - Giuseppe  Arcimboldo (1951)

"Giuseppe Arcimboldo (Milão, 1527 — 11 de julho de 1593) foi um pintor italiano. Pintor Maneirista, de estilo naturalista e detalhista, Arcimboldo foi o favorito da corte em Praga; trabalhou para os imperadores Fernando I, Maximiliano II e Rodolfo II. Desenhou afrescos para a Catedral de Monza, fez o Mosaico da Dormição da Virgem Maria. O trabalho que destacou o artista Giuseppe Arcimboldo, foram as criativas cabeças feitas de frutas, legumes, flores, peixe e livros.

"As Quatro Estações" (1573) - série composta de quatro quadros representando as estações do ano, feitas de vegetais, raízes, flores, folhas, frutas, etc; realizada para o imperador Maximiliano II, foi sua obra mais famosa.

Archimboldo começou a fazer retratos de pessoas, mas não como elas são vistas, e sim com figuras de animais, vegetais e outros objetos naturais, como em uma colagem. Olhando de perto uma obra dele, você distingue várias figuras, como carneiros, peixes, abóboras, pepinos, folhas, plantas… ao se afastar um pouco e prestar mais atenção ao geral da obra, novas figuras, em sua maioria pessoas, surgirão.Em Flora você percebe o detalhe das flores e folhas.

O toque de mestre do pintor foi utilizar, em cada tela, elementos que correspondessem ao tema retratado; assim, “A Primavera” é composta basicamente por flores, “O Verão”, por frutas próprias dessa estação, “O Outono”, por folhas e frutas dessa época do ano e “O Inverno”, por uma "árvore sem folhas". O mesmo acontece com o restante de sua obra. 

Arcimboldo morreu em Milão, no ano de 1593,  apesar da religiosidade da época ser dominada pela Igreja Católica, Arcimboldo era um ocultista, o enigma, os simbolos e as charadas fascinavam o pintor. Muitos artistas surrealista do século XX se inspiraram nas obras do pintor italiano Giuseppe Arcimboldo, a exemplo, Salvador Dali.Seu trabalho caiu no esquecimento por aproximadamente 300 anos, até ser redescoberto pelo Movimento Surrealista, entre os séculos XIX e XX."

 A título de curiosidade a obra, denominada Flora, - quadro do artista italiano Giuseppe Arcimboldo (1527-1593), contemporâneo do poeta Luís Vaz de Camões. Nessa pintura, o artista utilizou um recurso alegórico por meio do qual a flora é figurada como mulher, apresentando semblante humanizado pela combinação de diversos elementos
naturais, os quais ela mesma representa. O poema épico de Camões, Os Lusíadas, também apresenta uma figura que foi criada utilizando-se elementos alegóricos na mesma linha do quadro Flora que foi o a figura do Gigante Adamastor, pois este encarna os elementos naturais do Cabo das Tormentas.e, tal como Flora,esse elemento natural é dotado de um semblante antropomorfizado."

FONTE:  https://pt.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Arcimboldo

 Vide mais obras de Giuseppe

Fonte: Wikipedia e Do Blog http://bethccruz.blogspot.com.br/2009/07/arcimboldo-arcimboldo.html

Liberdade guiando o povo (1830)- Delacroix

Liberdade guiando o povo - 1830 - Delacroix

No coração da composição, ergue-se a figura da Liberdade: mulher de porte monumental, avante, pé sobre as barricadas, vestida com túnica que deixa o peito à mostra, gorro frígio na cabeça  - símbolo milenar de liberdade. Em uma mão, a bandeira tricolor francesa hasteada altiva; na outra, um mosquete. Ela não é apenas alegoria: avança entre os combatentes, os guia, os protege, respira junto com eles. Seu rosto é definido, olhar firme, decidido - não é fantasia, é presença viva, que inspira e comanda.

Ao redor dela, avança um exército de rostos e condições diferentes:

À esquerda, um homem de cartola e colete, armado com espingarda - representa a burguesia e os cidadãos comuns; 

À direita e à frente, crianças e jovens: um menino com pistolas e cartuchos, impetuoso, símbolo de energia e futuro;

• No chão, corpos tombados, roupas rasgadas, armas caídas - o preço pago pela liberdade, visível e cru.

Não há exército uniformizado: é o povo. Jovens e idosos, ricos e pobres, todos misturados, unidos pela mesma causa. Delacroix pinta a revolução não como algo abstrato, mas como gente real, que luta, que cai, que avança.

A composição forma um triângulo dinâmico, com vértice na ponta da bandeira. Tudo converge para a Liberdade, que se eleva acima de todos. A luz destaca seu peito, a bandeira e os rostos dos combatentes; as sombras cobrem os corpos caídos e o chão devastado. A cor vermelha da bandeira brilha com força inigualável, ponto de fogo que domina a tela. As pinceladas são largas, vibrantes, cheias de energia - não há contornos rígidos, há movimento, fúria, vida.

 O Chão e o Fundo — Ruínas e Esperança

A cena se passa sobre um monte de corpos, pedras e armas - as barricadas de Paris. O chão é irregular, instável, feito de destroços e sacrifício. Ao fundo, entre a fumaça e a poeira, vislumbram-se telhados de Paris e, ao longe, uma silhueta reconhecível: a torre de Notre-Dame. A cidade está ali, testemunha, esperando. A fumaça deixa entrever o céu claro: depois da luta, virá a luz.

Delacroix não pintou um fato histórico com exatidão de jornal. Pintou a alma da revolução. A Liberdade não é deusa distante: caminha com o povo, suja os pés no chão de batalha, segura arma e bandeira. A obra diz: a liberdade não se recebe de presente - se conquista, se defende, se paga com sangue. E quando ela avança, ninguém fica para trás.

Delacroix une o povo e a Liberdade num só movimento. A bandeira tremula acima de todos; o chão custa lágrimas e sangue. Mas ninguém recua. A Liberdade não desce do céu: caminha entre nós, de peito descoberto, gorro na cabeça, pé firme sobre as ruínas do que caiu. E enquanto ela avança, a revolução não termina - continua.

RESUMINDO

Delacroix retratou a Liberdade como figura alegórica/deusa e ao mesmo tempo mulher robusta do povo.   

                                                                                                                                                         As Senhoritas de Avignon — Pablo Picasso

1. Críticos denunciaram como "ignóbil" - esse julgamento da época é registrado.                    

2. Monte de cadáveres funciona como pedestal de onde a Liberdade avança, descalça e com o peito descoberto.

3. Barrete frígio = símbolo da liberdade desde a Primeira República (1789–1794)

4. Obra vista como marco do fim da Era do Iluminismo e início da Era Romântica — conforme estudiosos citados.

5. Mistura de classes sociais na barricada - burguês, operário, estudante, meninos - todos com olhar determinado e ardente. 

6. Menino com pistolas = possível inspiração para Gavroche em Os Miseráveis - registrado.

7. Homem da cartola: identidade debatida - eliminada hipótese de autorretrato; nomes propostos: Étienne Arago e Frédéric Villot, sem consenso. 

8. Dados gerais da obra (1830, Revolução de Julho, queda de Carlos X, bandeira tricolor + mosquete, obra mais conhecida de Delacroix).

9. Característica romântica: contrastes de luz e sombra para intensificar emoção - coerente com o estilo.

 

Ficha Técnica

Autor: Eugène Delacroix (1798–1863)

Ano: 1830

Técnica: Óleo sobre tela

Dimensões: 260 × 325 cm

Localização: Museu do Louvre, Paris

Estilo: Romantismo

 ema: A Revolução de Julho de 1830, na França - evento que depôs o rei Carlos X e colocou Luís Filipe no trono

Veja mais aqui assistindo o video:

Veja mais:

O Boto - Vicente Rêgo Monteiro

O Boto

A obra nasce de uma das mais belas e persistentes lendas do imaginário brasileiro: o boto-cor-de-rosa, que à noite abandona as águas, se torna homem elegante e encanta mulheres, retornando ao rio antes do amanhecer. Vicente do Rego Monteiro não ilustra a história de forma literal - pinta a essência do mistério, do encontro entre terra e água, humano e fantástico.

Ao centro, o boto em forma humana segura nos braços o corpo inerte de uma mulher. Ela está nua, olhos fechados, cabeça tombada - parece adormecida, desfalecida ou transportada em transe. Não há resistência, nem medo: entrega total, como quem se deixa levar pelo rio. Ele a sustenta com força e ternura, rosto voltado para o espectador, olhar firme e penetrante - meio homem, meio ente mítico, com traços que lembram a estatuária indígena: olhos amendoados, nariz reto, feições marcantes e serenas. Sobre a cabeça, um ornamento circular que evoca a coroa do boto, entre touca e disco solar.

As formas são simplificadas, alongadas, sem detalhes realistas e sem sombras graduais. Os corpos têm volume suave, contornos definidos, cores quentes e terrosas — o dourado e o ocre da pele lembram a luz do sol sobre a água. O fundo é plano, dividido em faixas coloridas que sugerem terra, rio e céu, sem perspectiva convencional. Vicente do Rego Monteiro rejeita a imitação europeia: bebe nas fontes indígenas, africanas e na arte popular brasileira, criando uma linguagem que é inteiramente nossa.

Atrás das figuras, irrompe um grande círculo com raias que se espalham como raios de sol ou barbatanas em movimento. É a coroa do boto, é o sol refletido no rio, é o halo que revela sua natureza sobrenatural. As linhas retas e coloridas cortam o espaço, conferindo dinamismo e energia - como se a água girasse ao redor do par. O símbolo é ao mesmo tempo sol, roda, estrela e ser vivo: a divindade que habita o rio.

 O Sentido Profundo

A lenda do boto fala de mistério, desejo e aquilo que não se pode possuir - aquele que vem da água e para a água retorna. Vicente do Rego Monteiro eleva o tema popular à condição de arte sagrada e simbólica: o encontro entre o humano e o elementar, entre a terra e o rio, entre o que se conhece e o que permanece oculto. A mulher nos braços do boto é ao mesmo tempo vítima e escolhida - levada não à força, mas por encanto que é também destino.

A obra diz ainda algo sobre o Brasil: aqui, o mito não está longe, no céu antigo da Europa - está no rio, na floresta, na água que pulsa e se transforma. E o artista, ao pintá-lo com formas que lembram as nossas raízes, mostra que a nossa arte também pode ser sagrada, bela e inteiramente nossa.

Vicente do Rego Monteiro pinta o momento em que a água toma forma humana. O boto segura a mulher que dorme, e atrás deles o sol-água brilha em raios coloridos. Não é apenas uma lenda: é a força do rio que se levanta, se faz gente, e nos leva - não contra a vontade, mas porque somos também feitos dessa mesma água. Mistério, encanto e beleza: tudo junto, como só o Brasil sabe ser.

Ficha Técnica

Autor: Vicente do Rego Monteiro (1899–1970)

Título: O Boto

Período: Década de 1920

Técnica: Têmpera sobre papel (ou óleo sobre tela)

Estilo: Modernismo - fusão de arte indígena, arte africana, cubismo e simbolismo

Tema: A lenda amazônica do boto-cor-de-rosa que se transforma em homem para seduzir mulheres

                                                                                                                              .

Quem é Vicente Rêgo? 

Vicente do Rego Monteiro (1899–1970), pernambucano de nascimento, foi pintor, escultor, desenhista, ilustrador e artista gráfico. Nasceu em família de artistas e descendia, por parte de mãe, do pintor Pedro Américo. Ainda criança, em 1908, iniciou estudos na Escola Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro. Em 1911, viajou com a família para Paris, onde frequentou a Academia Julian. Aos 14 anos, em 1913, teve obras selecionadas para o Salon des Indépendants. Em Paris, conviveu com importantes nomes do modernismo europeu: Amedeo Modigliani, Fernand Léger, Georges Braque, Joan Miró, Albert Gleizes, Jean Metzinger e Louis Marcoussis.

Em 1920, estudou a fundo a arte marajoara e tapajó nas coleções do Museu Nacional do Rio de Janeiro - estética que passou a influenciar decisivamente sua obra: a cor, o volume, a forma e a redução da figura humana, herdadas da cerâmica amazônica, tornaram-se sua marca. Rego Monteiro propôs-se, assim, a resgatar nas artes as origens do povo brasileiro.

Crucifixação

Na década de 1920, aprofundou também a ligação com as vanguardas francesas. Ele próprio dizia alimentar-se da "dieta do regime cubista". Obras como Crucificação (1922), Fuga para o Egito (1923), Flagelação (1923) e Pietá (1924) unem tema religioso e composição cubista: economia de cores, geometrização das formas, equilíbrio e semelhança com baixos-relevos, aproximando-se mais do Cubismo Sintético de Juan Gris do que do analítico de Braque e Picasso.

Sua obra transita entre austeridade geométrica e sugestão de espiritualidade. As figuras, com densidade e volume, lembram esculturas; as cores contidas e os contrastes criam atmosfera recolhida e solene. Além do talento, era conhecido pela alegria de viver - venceu concursos de dança em Paris, viajava de carro entre Recife e Rio, e foi também poeta.

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