O Derrubador Brasileiro - Almeida Jr. (1850-1899)

O Derrubador Brasileiro, 1879
Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro

 

O Derrubador Brasileiro — José Ferraz de Almeida Júnior

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No centro da composição, sentado sobre uma enorme rocha, repousa o derrubador - o trabalhador da floresta, responsável por cortar e abrir caminho na mata virgem. Apresenta-se de tronco nu, revelando um corpo forte, musculoso e harmonioso, construído com a beleza e a proporção que a tradição clássica reservava aos heróis e deuses. Veste apenas calças brancas de algodão, levemente arregaçadas, e pés descalços apoiados sobre pedras e terra úmida. A postura é serena: cabeça levemente inclinada, olhos semicerrados, uma mão apoiada na coxa e o outro braço apoiado sobre a pedra, como se recuperasse o fôlego após o esforço. Não é um herói de mitologia: é o trabalhador brasileiro, elevado à dignidade de herói.

A luz cai sobre o corpo vindo da esquerda, definindo com suavidade e precisão cada forma - ombro, peito, braço, pernas - sem sombras rudes nem contrastes agressivos. A pele é pintada com tons quentes e dourados, que revelam a mestiçagem e o sol da terra brasileira. As sombras são profundas e quentes, integradas ao tom da pele. A técnica é acadêmica: contornos suaves, gradação perfeita entre luz e sombra, sem pinceladas visíveis - tudo para conferir solenidade e beleza à figura.

Ao redor, a mata brasileira se espalha em profundidade. À esquerda, uma nascente de água cristalina jorra entre pedras, simbolizando a riqueza natural do país. Ao fundo, árvores altas, folhagens densas e, ao longe, uma palmeira que se ergue no horizonte - assinatura visual de nossa terra. A paisagem não é apenas cenário: é o espaço onde este homem vive, trabalha e descansa. A natureza é imensa, bela e generosa - e ele, parte dela, é ao mesmo tempo sua força e seu guardião.

A enorme pedra que serve de assento ocupa grande parte da tela e dá estabilidade à composição. Firme, pesada, imóvel — ela reflete a força, a resistência e a permanência do trabalhador brasileiro. O corpo repousa sobre a rocha como se ambos fossem feitos da mesma substância: sólidos, duradouros, nascidos desta terra.

Almeida Júnior não pinta apenas um homem descansando. Pinta a própria imagem do Brasil que se constrói com mãos e esforço. O derrubador é quem abre a floresta, quem transforma a terra, quem faz brotar a vida - e por isso merece ser retratado com a mesma nobreza e beleza que a arte europeia dedicava a reis e deuses. A obra diz: a verdadeira força desta terra não está nas riquezas que ela guarda, mas nos homens que com ela trabalham. E em seu repouso silencioso, mais do que descanso, ele nos mostra a dignidade de quem constrói um país com as próprias mãos.

Almeida Júnior pinta o homem que abre caminho na floresta e o reveste de toda a beleza dos heróis antigos. Corpo forte, águas que jorram, mata que se estende - tudo em serenidade e luz dourada. O derrubador não é vítima nem herói de batalha: é a força do Brasil em repouso, que descansa antes de continuar a construir o país.

Ficha Técnica

Autor: José Ferraz de Almeida Júnior (1850–1899)

Título: O Derrubador Brasileiro

Ano: 1879

Técnica: Óleo sobre tela

Estilo: Pintura Histórica / Realismo Acadêmico

Contexto: Pintada durante a estada do artista em Paris; apresentada no Salão de 1879, onde recebeu menção honrosa. Obra considerada marco na trajetória de Almeida Júnior.

 

Obs.: "A introdução do tema regional nas obras do pintor José Ferraz de Almeida Júnior sempre foi um ponto polêmico entre a crítica: se uma parte nega-se a reconhecer aspectos inovadores na produção de Almeida Jr. (assim reconhecido internacionalmente), por causa dos padrões acadêmicos de pintura, a outra ressalta a importância de sua obra para a arte brasileira.

Veja mais obras de Almeida Junior A  Q  U  I 

Soft Construction with Boiled Beans (Premonition of Civil War) - Salvador Dalí

Salvador Dali - 1936 - 100 cm × 99 cm (39 5/16 in × 39 3/8 in)

Nesta obra, Salvador Dalí transforma o horror da guerra em uma visão alucinante do corpo humano dilacerado por si mesmo. Pintada em 1936, às vésperas da Guerra Civil Espanhola, Soft Construction with Boiled Beans é uma das mais intensas alegorias do conflito e da autodestruição coletiva. Dalí antecipa o caos que tomaria sua pátria, não com bandeiras ou batalhas, mas com carne e pedra, com formas que se devoram num cenário de desespero.

O corpo monumental que domina a composição é simultaneamente humano e monstruoso - uma figura que se contorce, rasga e se sustenta em equilíbrio precário. Braços e pernas se estendem como raízes arrancadas, revelando a violência interna de um ser que luta contra si mesmo. Essa anatomia impossível é metáfora da Espanha dilacerada, onde irmãos se voltam uns contra os outros, e o país se destrói em nome de ideologias opostas.

Os feijões cozidos, aparentemente banais, introduzem uma ironia cruel: são o alimento da miséria, o sustento mínimo diante da devastação. Dalí os coloca como testemunhas silenciosas da fome e da decadência, lembrando que até o cotidiano mais simples é corrompido pela guerra. O contraste entre o grotesco e o doméstico intensifica o absurdo da cena - o humano reduzido à matéria, à carne, ao instinto.

A paisagem ao fundo, de tons terrosos e céu fragmentado, reforça o clima de desolação. O horizonte é distante, quase inalcançável, e o espaço parece suspenso entre sonho e pesadelo. A luz, típica do surrealismo daliniano, não ilumina: revela. Cada sombra é um vestígio de dor, cada cor é um eco da destruição.

Dalí, mestre da psique e da metáfora, não pinta a guerra como evento histórico, mas como experiência interior. O corpo que se mutila é o símbolo da humanidade em crise - da razão que se volta contra si mesma. Soft Construction with Boiled Beans é, portanto, uma premonição e um aviso: quando o ódio se torna estrutura, o corpo social se desfaz.

A obra permanece como um dos mais poderosos testemunhos do surrealismo político. É o retrato da violência que nasce dentro do homem, da loucura que se disfarça de ideologia, e da arte que, mesmo diante do horror, insiste em transformar o caos em imagem - e a dor em memória.

CONTEXTO

Fonte: Wikipedia 
 http://theneedlessnessofwar.blogspot.com.br/2011/05/soft-construction-with-boiled-beans_12.html

Esta pintura  é uma das poucas em que Dalí voltou sua atenção para a tragédia que afligia sua terra natal em 17 de julho de 1936, quando o general Francisco Franco liderou um golpe de Estado militar contra o governo,o democraticamente eleito Frente Popular. Visão selvagem do artista - uma figura em decomposição se divide,como precedendo a eclosão da Guerra Civil Espanhola e, assim, profeticamente prediz as atrocidades cometidas durante o conflito sangrento.

A pintura é usada para mostrar a luta da guerra, que às vezes pode ser tanto de auto-realização como automutilação ao mesmo tempo. Apesar de seu apoio ao General Franco, Dalí foi abertamente contra a guerra, e usou essa pintura para mostrá-lo. O feijão cozido pode referir-se à oferta Catalão antiga aos deuses. O homenzinho no canto inferior esquerdo é uma representação surpreendente, inspiradora de espíritos contidos nas almas de Anneke van e Nikki Lugo, amigos de infância e musas de Dalí.

Pode-se dizer que Salvador Dalí desenvolveu a sua "versão dolorosamente precisa do surrealismo para conseguir o que ele chamou de uma irracionalidade concreta". Isso, esperava ele, seria dar credibilidade às imagens do inconsciente, que por sua vez são vergonhosas ao mundo da realidade. Em construção suave com feijões cozidos, no entanto, Dalí aplica seu método para o assunto muito real e profundamente perturbador da Guerra Civil Espanhola de 1936-39. Aqui uma vasta e grotesca mão rasga próprio corpo , a sua careta registrar a dor ou o êxtase. Contra um céu  azul e a paisagem seca do norte da Espanha, a figura mutante domina seu meio ambiente. Essa disjunção de escala indica a sua função simbólica - apesar de sua concretude histérica - como uma representação do físico e emocional de auto-conflito em que a Espanha foi tanto a vítima quanto o agressor. O pequeno professor, vagando por toda a paisagem à esquerda, acrescenta um contraponto estranho à massa frenética de carne, como fazem os pedaços de feijão cozido que pode referir-se a oferta catalã antiga para apaziguar os deuses.

Nas próprias palavras de Dalí,  "Um vasto corpo humano sai em excrescências monstruosas de braços e pernas rasgando um ao outro em um delírio de autostrangulation" .Surrealistas colegas de Dalí revelaram que na profanação do corpo humano, seja na pintura, escultura, ou fotografia,  nenhum deles tinha ainda descido a tais profundidades de anatomia tortuosa. A careta de êxtase, os músculos do pescoço esticado, o tronco elástico, e os dedos das mãos e pés petrificante tudo conspira para criar uma visão de fascínio repugnante. Tão convincente é a presença terrível da construção que parece ser um fenômeno autêntico natural, uma oitava maravilha do mundo, ao invés de meramente uma figura humana ou uma aparição imaginada. Com a forma fálica sobre o hip truncado, Dalí implantou o dispositivo de assinatura do formulário "soft", e os grãos dispersos do título exemplificam as incongruências bizarra de escala que ele usou para conjurar o funcionamento da mente inconsciente. Dalí saudou Sigmund Freud, cujo trabalho inspirou a abraçar suas visões de pesadelo, com um pequeno retrato -  a mão ondulada no canto inferior esquerdo. 

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